Ознакомьтесь с нашей политикой обработки персональных данных
19:24 

-Ladybird
Right here, right now.
1. Творчество Сандро Боттичелли ( Использует светскую, античную мифологию.С помощью античности говорит о освременности, ему важны линии и орнаменты,натуралистичность соединяются с декоративностью, Весна - музыкально ритмичная композиция,Ветер Борей и Хлоя,Весна, затем Венера (Симонетта Веспуччи) и Три грации и отдельно фигура Меркурия (Джулиано Медичи) Рождение Венеры - )

2. Творчество Леонардо Да Винчи (страстно и внимательно изучает натуру,исключил подражание античным памятникам. "Мадонна Литта"1480 - создает портретный идеал и этот образ качует из работы в работу. Красный - царствие, синий - богомыслие. Мыслил как скульптор и хотел переать объе в световоздушной среде. Был мастером темперной лиссировки. Интерес к перспективе. В Милане был художником декоратором. Он был худ.концептуалист и не всегда доводил все до конца. Писал трактаты в том числе о живописи и анатомии. Обучение окончил у Андреа Вероккио 1472)

3. Монументальная живопись ( Да Винчи - Тайная Вечеря - 1501-1505, Рафаэль - станцы Ватиканского дворца, Микеланджело - сикстинская капелла)

4. Росписи Рафаэля в Ватиканском дворце
(расписал станцы библиотеки Ватиканского дворца, "Афинская школа" расписал 4 стены библиотеки, их было принято расписывать посвящая каждой из 4ех деятельностей: богословию (диспут), философии (афинская школа) поэзии (Парнас),юристпруденция (Мудрость, мера и сила). Почерпнул у всех предшественников понемногу и создал свое. Уравновешенное и прекрасное)

5. Микеланджело скульптор
(ван лав оф корс :heart: "Давид" "Оплакивание" "Гробница папы ЮлияII" "Вакх" "Битва кентавров"

6. Микеланджело росписи Сикстинской капеллы (работал 4 года над росписями,по ветхому завету, также расписал на закате лет там сцену Страшного суда)

7. Творчество Микеланджело(кратко обо всем)
(Ирвинг Стоун мне в помощ ахах, люблю Микеланджело)

8. КОМПЛЕКС ПЛОЩАДИ СОБОРА СВ. ПЕТРА В РИМЕ(как проетировался и площадь)
(купол собора был построен Микеланджело и это была новейшее инженерное решение, на контр форсах)

Площадь собора Св. Петра. Лоренцо Бернини

Площадь перед собором Св. Петра в Риме - www.Arhitekto.ruБернини создал огромную площадь перед собором Св. Петра — самый крупный архитектурный ансамбль Италии XVII века,

в 1656-1663 годах он оформил площадь перед собором огромнымой колоннадой. Бернини организует две площади, «нанизанных» на единую с собором ось: овальную и вторую, дополнительную — трапециевидную, ограниченную стенками, «привязывающими» первую площадь к фасаду Мадерны. Отдельно стоящие колонны также были новым решением: 284 колонны в 4 ряда опоясывают с боков эллиптическую в плане площадь, оставляя широкий проезд спереди, а в глубине расходясь в сторону и открывая фасад собора.Форма овала, излюбленная зодчими барокко, создавала ощущение неустойчивости, подвижности, в какой-то мере неопределенности: ракурсы меняются в зависимости от положения зрителя. Это повышало декоративный эффект. Вместе с тем сами колоннады, созданные путем применения тосканского ордера, чрезвычайно монументальны: огромные стволы поддерживают упруго изгибающуюся ленту антаблемента, выше которой в четком ритме — статуи святых.

С помощью приема иллюзорной перспективы, уже ранее использованного им при создании Царской лестницы в Ватикане, собор
издали кажется меньше, чем на самом деле, долго остается как бы того же размера, а затем скачком вырастает вдруг до огромных размеров.
Центр площади отмечен египетским обелиском, в центре ее боковых секторовнаходятся два великолепных фонтана.

Весь этот ансамбль заслонил существовавшую по сторонам неупорядоченную застройку и одновременно образовал монументальный «фон» для
торжественных процессий, для съезда знати к торжественному богослужению всоборе, для массы народа, движение которых призвана пробудить,
организовать и сделать целеустремленным динамика архитектурного пространства.

Скала Реджа, созданная Бернини и ведущая из собора Святого Петра вВатиканский дворец, представляет собой тип лестницы "марш за маршем".
Перспектива усиливается постепенным уменьшением высоты колонн и ширины ступенек — сходным образом создастся эффект перспективы в театре.

Пользовавшийся большим расположением Урбана VIII, Бернини пережил краткий период немилости в начале понтификата Иннокентия X, который
поначалу отдавал предпочтение Альгарде и Борромини. Но полностью его архитектурный гений был оценен при папе АлександреVII. Именно к этому
периоду относятся палаццо Киджи (1664).

9. Графика Дюрера (тяжеловаты, трактат о живописи)

10. Графика Гольбейна
(легче, плюс иллюстрации к книгам)

11. Архитектура барокко в Италии(Пьяцо дель Кополло, пл-дь Бернини, собор св.Петра, церковь иль Джезу, Сан-Карло(у 4-х фонтанов)
Барокко- стиль религиозного искусства в ответ на контр реформацию. В основе подражание природе в ее стихийных проявлениях.
Барокко как стиль ранее всего и наиболее определенно проявился в Италии. Эта страна в XVI — XVIII веках состояла из ряда мелких
государств, внешнеполитическое, и экономическое положение которых отличалось сложностью и неустойчивостью. Материальная база строительства
была ограничена. Ведущая роль в развитии архитектуры принадлежала католической церкви, Ватикану, который стремился поддержать свой престиж
путем возведения многочисленных храмов, не столь крупных по размерам, но всегда оформленных необычайно эффектно и эмоционально впечатляюще.

Барокко зародилось в Италии уже в период позднего Ренессанса. Его принципы в полной мере получили свое развитие в XVI в. в работах
архитекторов Рима.
Cо второй половины XVI в., возникают художественно более сложные жилые постройки. Своеобразный характер имеют господские поместья, отвечающие
требованиям безопасности и одновременно представляющие собой удобные усадьбы. Обычно это четырехсторонние в плане сооружения с угловыми
башнями или эркерами.Наиболее яркие и характерные памятники барокко в Италии связаны с крупнейшими мастерами XVII века — Лоренцо Бернини, Гварино Гварини, Франческо Борромини, Карло Райнальди, Бальдассаре Лонгена и другими.


12. Бернини-скульптор (Экстаз святой Терезы, знал все о страсти, напряженные формы стремящиеся ввысь,Св. Лаврентий соженный на костре. Бернини в 16 лет создал ее, Апполон и Дафна)

13. Творчество Караваджо
(безумный гений, как мы любим,ога ахаха рисовал приемущественно с натуры и показывал оборотную сторону вещей, светотень ярко выражена. Призвание апостола Матфея, Давид и Голиаф, Уверение Фомы)

14. Творчество Рембрандта
(Возвращение блудного сына, Портрет с Саскией на коленях, Саския в роле Флоры, последний портрет Саскии, скупал много всего и был востребован, н овскоре свет от него отвернулся не оценив его взглядов, умел снимать маски с людей и изображал крайне проникновенные портреты)

16. Тв-во Тициана
( Работы Тициана отличаются богатой цветовой гаммой,изобретательной композицией. Помимо композиций на темы Священного Писания иантичной мифологии, художник писал портреты, и его считают лучшим портретистом XVI века.Самое прославленное произведение Тициана создано на светский сюжет – это «Венера Урбинская» (1538). Мифологическая тема не более чем предлог для изображения женщины, гордящейся красотой своего обнаженного тела.
«Пожалуй, в истории европейской живописи нет более свежего, соблазнительного и притягательного образа обнаженной женщины, – пишет Н. Харрис. – В ее чувственности нет ничего грубого. "Похищение Европы" (1562) этих полотнах, пронизанных стремительным движением и вибрацией цвета, уже
есть элемент так называемой "поздней манеры", характерной для последних работ Тициана. ("Св. Себастьян", 1565–1570; "Пастух и
нимфа", около 1570; "Наказание Марсия", 1570-е годы; "Оплакивание Христа", 1576
). Эти полотна отличает сложная живописная структура,
размытость границы между формами и фоном; поверхность холста как бы соткана из наложенных широкой кистью, иногда втертых пальцами мазков. Оттенки дополняющих друг друга, взаимопроникающих или контрастирующих тонов образуют некое единство, из которого рождаются формы или приглушенные мерцающие краски. Новаторство "поздней манеры" не была понято современниками и оценено лишь в более позднее время» В последний период своего творчества Тициан вновь обратился к религиозной тематике. Такие шедевры, как «Коронование терновым
венцом» (1570–1576) и «Пьета» (1570–1576), достигают вершин драматической экспрессии.
17. Тв-во Никола Пуссена
("Суд Саломона" "Царство Флоры" все им было предельно рассчитано, он использовал метод золотого сечения и точно выстраивал перспективу, также пользовался специальной коробкой, в которой предварительно лепил фигуры из воска, затем одевал их и смотрел, как падает свет. Нарисовал цикл картин "Времена года", для племянника Кардинала Решилье,который впоследствии проиграл их королю в мяч. В этих 4ех картинах горы вдалеке служат для опорной точки в построении линий перспективы. Он уделял очень много времени исследованию природы и композиционноо решения. Пейзаж выстроен в роле последовательных планов уходящих в глубину. И вообще его картины были наполнены театральностью. Жесты героев диктованы, героичны часто. Придерживался теории музыкальных и ордерных стилей. Жил в Риме чаще. Часто рисовал змею. (цикличность времени) у него было нервное заболевание

18. Стиль рококо в интерьере

Рококо (франц. rococo), рокайль (от орнаментального мотива рокайль), стиль, получивший развитие в европейских пластических искусствах 1-й
половины
 
8 в. и европейской литературе 18 в.; возник во Франции
в период кризиса абсолютизма, отразил свойственные аристократии
гедонистического настроения, тяготение к бегству от действительности в
мир театрализованной игры. В пластических искусствах стиль Рококо
повлиял прежде всего на характер декора, который принял в эту эпоху
подчёркнуто прихотливый и усложнённый вид. В ранний этап развития
французского Рококо (примерно до 1725, так называемый стиль регентства) формы барокко утрачивают
свою монументальность, в отделку помещений вводится дробный орнамент,
предметам обстановки придаются прихотливо изогнутые поверхности.
В скульптуре Рококо преобладают рельефы и статуи,
предназначенные для убранства интерьера, небольшие статуэтки, группы,
бюсты, в том числе из терракоты, расписного или неглазурованного фарфора
(Ж. Б. Лемуан во Франции, И. И. Кендлер в Германии).
Переливчатая и несколько блёклая по колориту рокайльная живопись также
имеет преимущественно декоративную направленность (французские мастера
Н. Ланкре, Ф. Лемуан, Ж. М. Натье, Ф. Буше). Нерасчленённость несущих и
несомых частей, крайняя изысканность отделки, нередко сочетающаяся с
заимствованием нарочито экзотических мотивов китайского искусства,
свойственны произведениям декоративно-прикладного искусства Рококо, мастера которого умели особенно тонко выявить выразительные возможности материала.

19. Графика рококо(авторы)

Для живописи, скульптуры и графики Рококо характерны эротические, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты, камерные по духу, асимметрично построенные композиции.
20. Болонская академия и арте-сакра (представителей б.а. сопоставить) Академизм - не стиль, а способ мышления в искусстве. консервация уже имеющихся ценнстей и создание на их основе новых художественных эталонов. Теория академизма: 1. Следовать Античности 2.Следовать Рафаэлю 3. Идеализировать Натуру
Болонская академия "вставших на правильный путь" - внимание к рисунку, продуманность композиций, высокие жанры
Arte-sacra - направление религиозноо искусства направленное на формирование эталона. Стиль ориентированный на демократического человека. Стремление к созданию простоты, гармонии и величия. Демонстративная искренность и нарядность колорита. Метод правильного "смешения"

21. Жанровая голландская живопись 17в (Ян Вермеер Дельфский - темой становится повседневная жизнь обычных горожан, Вермеер очень беден. "Искусство живописи" - манит в картину, мелочь в деталях, свет, "Девушка с жемчужной сережкой" "Женщина взвешиващая жемчуг""Девушка читающая письмо" был бытовым художником. + еще автор)

22.
Творчество Веласкеса и испанская живопись - Обучался в Севилье у Франсиско Пачеко – знатока итальянского искусства.
Для севильского периода характерны «бодегоны» - жанровые картины. В этот период художник предпочитает темноцветную живопись и пастозное письмо по красной имприматуре. В его художественной манере присутствуют элементы караваджизма.
В Мадриде работает придворным портретистом короля Филиппа IV. Для придворной школы в Мадриде было характерно увлечение Тицианом, что сообщало произведениям живописность. Присутствовала строгость и репрезентативность в парадном портрете. Эти же черты усваивает в это время Веласкес.
В 1629-31 г.г. впервые посещает Италию, где изучает живопись Тинторетто. Для этого периода характерно изменение колористического решения картин: применяется серый подмалевок, краски накладываются более тонким слоем. Под влиянием Тинторетто возникает более свободная постановка фигур в пространстве.
В 30-40-е годы формируется два основных типа портрета в творчестве Веласкеса: погрудный с резкой светотенью и характерными чертами и парадный – в полный рост без светотеневой моделировки в рассеянном ровном освещении. Большое внимание уделяется не силуэту, а цвету.
Для позднего творчества (после второй поездки в Италию в 1649-51 г.г.) характерная светлая почти акварельная гамма.
( "Венера с Зеркалом" обнаженная натура, тогда хранить и писать картины с обнаженной натурой было запрещено инквизицией, но он был художником короля, писал его портреты и портреты придворных, также написал картину "Менины 1656" На картине представлена инфанта Маргарита и ее фрейлины (менины), посетившие художника в его мастерской. Образ других посетителей отражается в зеркале: это Филипп IV c супругой.
Ключом к пониманию значения картины является мифологическая сцена «Состязание Аполлона с Марсием», висящая на стене в глубине комнаты.
Художник риторически уподобляет себя Марсию, а короля – Аполлону.
На самом деле, подлинный смысл картины коренится в ее композиции: Веласкес изобразил свой автопортрет наиболее масштабным, в то время как остальные персонажи уподоблены как бы куклам-марионеткам. Этим художник хотел подчеркнуть высокую роль художника в современном ему обществе.
Художник мастерски использует прием сквозного пространства, вводя в композицию фигуру отстраненного зрителя, как бы встречающегося взглядом с королевской четой, и мотив зеркала, заимствованный из голландской жанровой картины и усложняющего общую пространственную режиссуру произведения Где изобразил дочь короля, себя и короля с королевой в отражении в зеркале.Написана она в Риме, а не в Испании,там нравы спокойнее. Король был Филипп4 )
Картина «Вакх» Веласкеса передает не стилистику, а настроение картин Рубенса, который посещает Мадрид в 1628 г. Общий характер живописи связан с караваджистским подходом ранней манеры Веласкеса.
Если сравнивать картины Веласкеса и Караваджо, то можно отметить, что у итальянского художника момент игрового «переодевания» и пародийности героя стоит на первом плане. Веласкес придает своему образу универсальное звучание, лишая его многозначных атрибутов и оставаясь в рамках мифологической картины, несмотря на присутствие простонародных персонажей в современных художнику костюмах. У Караваджо цельность жанра нарушена, так как он смешивает мифологическую картину с жанрами портрета и натюрморта.
Эль Греко - ни с кем не спутаешь, он удлиннял лица и тела, будто какая-то высшая сила вытяивала их кверху "Погребение графа Оргаса" выспыльчив, чужак, ссорился с церковью по поводу цены, Сурбаран)

24. Жак Луи Давид
(Смерть Марата, показал людям образ настоящего гражданина,был непоколеббимым и искал добродетель, Портрет мадам Рекамье, Клятва Горациев, фанатик власти, изображал Наполеона, до этого был другом революционера Робеспьера и Марата)


запись создана: 06.01.2013 в 20:13

@темы: Тряпочка

URL
Комментарии
2013-01-27 в 22:41 

молись за меня.
скажите, а нет программы курса Истории Искусства в электронном виде?

   

Парам-пам-пам

главная